URAL son una banda italiana de thrash crossover formada entre el Piamonte y el Valle de Aosta que llegan a NECROMANCE de la mano de su nuevo álbum «Anthropic Genetic Involution». Un trabajo que combina agresividad, tecnicidad y disonancia con una energía Bay Area inconfundible, y que demuestra que la banda no tiene ningún miedo a sorprender.
Para empezar, esta es la primera aparición de URAL en NECROMANCE. ¿Podríais presentaros brevemente a nuestros lectores y describir qué define la identidad de la banda en esta etapa de vuestra carrera?
Somos una banda italiana de thrash metal formada en la zona entre el Piamonte y el Valle de Aosta. Nuestro sonido fusiona thrash, hardcore punk y guitarras disonantes; nuestro objetivo es combinar agresividad con tecnicidad.
Este nuevo álbum se siente como vuestro trabajo más ambicioso y afilado hasta la fecha. ¿En qué momento del proceso de escritura os disteis cuenta de que «Anthropic Genetic Involution» marcaría un punto de inflexión para URAL?
Para ser honestos, nunca hemos visto este álbum como un punto de inflexión, sino más bien como una necesidad creativa: cambiamos de guitarrista hace dos años y el nuevo aportó ideas frescas, así que todos sentimos la necesidad de escribir un nuevo álbum.
La producción de Davide Billia consigue un sonido claro, cortante y contundente sin perder la crudeza esencial a vuestras raíces crossover. ¿Qué directrices concretas le disteis para lograr ese equilibrio entre precisión técnica y garra old-school?
Davide es amigo además de productor, así que nos conoce a fondo; sabe exactamente qué hacer para sacar lo mejor de nuestro sonido. Siempre que estamos en el estudio analizamos muchas partes junto a él — se podría decir que es el sexto miembro de la banda.
«Extreme Paranoia» abre el álbum con adrenalina inmediata y un fuerte espíritu Bay Area. ¿Por qué elegisteis este tema como introducción al disco y qué papel juega dentro de la estructura general del álbum?
«Extreme» es el punto de partida ideal, ya que refleja el deseo insaciable de ganar dinero y de aparentar ser diferente a quienes realmente somos. El álbum aborda el tema de la regresión humana, lo que hace que el tema sea perfecto para arrancar este viaje.
Temas como «God of Lies» incorporan un riffing más angular y disonante, incluso con reminiscencias al sonido de VOIVOD. ¿Cómo surgió este giro hacia estructuras menos lineales y qué buscabais expresar a través de estos elementos más impredecibles?
Queríamos que sonara exactamente así; tras la furia inicial, buscamos un sonido lo más angular y geométrico posible. Estamos contentos con la comparación con el sonido de VOIVOD; son una banda seminal para nosotros y cuando componemos a menudo intentamos incorporar ese tipo de sonido.
La actuación vocal de Andrea muestra una mayor versatilidad, añadiendo matices y modulaciones menos presentes en lanzamientos anteriores. ¿Fue una decisión consciente desde el principio o evolucionó de manera natural a medida que las composiciones se volvían más variadas?
Sí, fue una decisión consciente; no queríamos que las voces sonaran como en el álbum anterior, así que abordamos el trabajo vocal de manera diferente para crear variedad. Andrea es un cantante muy versátil — tocó en bandas de heavy rock y hard rock antes de URAL, así que tenemos muchas opciones en ese sentido.
«Wrong Children» destaca como una de las piezas más técnicas y frenéticas del álbum, repleta de cambios de tempo y riffs en capas. ¿Qué retos planteó este tema durante la composición y la grabación, y cómo os asegurasteis de que mantuviera la coherencia a pesar de su densidad?
Fue el tema que más trabajo nos dio durante la grabación, pero gracias al trabajo de Davide y las diversas ideas que surgieron en el estudio, conseguimos darle forma. Imaginamos un juego frenético e impulsivo entre la guitarra y la voz en la sección central; Andrea juega con el número 5 mencionado en la letra, creando una especie de cuenta atrás en la que la batería y las guitarras corren de manera independiente a la voz. Al final conseguimos exactamente lo que queríamos tanto en directo como en el disco.
En contraste, canciones como «Open Scars» y «Wasteland» apuestan por estructuras más directas y riffing de mid-tempo. ¿Buscásteis deliberadamente este equilibrio para permitir que el álbum respirara y evitar abrumar al oyente con complejidad constante?
Exactamente. Las canciones se compusieron en un orden diferente; intentamos estructurar el tracklist de manera que no abrumara al oyente y al mismo tiempo le permitiera apreciar la variedad de nuestro sonido.
La inclusión de «Flat Black», una reinterpretación jazz-metal de J.J. Johnson, es atrevida e inesperada. ¿Cómo surgió esta idea y qué os interesó de explorar una pieza tan poco convencional dentro de un disco predominantemente agresivo?
La idea vino de Stefano; tocó el bajo en una banda de jazz durante años y sigue siendo fan del género. Quería sorprender al oyente con algo completamente diferente, sin abandonar el estilo thrash, eso sí. Al principio nos pareció una locura, pero después de trabajar en ello durante unos días nos convencimos de que había que hacerlo.
La sección final, con «Terror Eyes» y «…to Change Your Vision», cierra el álbum con ferocidad y atmósfera a partes iguales. ¿Qué función narrativa o emocional cumple este cierre y cómo decidisteis esta secuencia en concreto?
El tema narra la historia de Edmund Kemper y cómo su locura surgió del abuso que sufrió a manos de su madre; el álbum concluye entonces abordando el tema de la salud mental dentro de la familia y los problemas que pueden crear las familias disfuncionales. Quisimos transmitir la pesadez de la historia de Kemper a través de las guitarras — un aspecto en el que centramos la mayor parte de nuestros esfuerzos. Es uno de nuestros temas favoritos del álbum.
En nuestra reseña señalamos que, pese a la clara evolución, existe el riesgo de permanecer en una zona de confort si no se exploran más las influencias progresivas que se apuntan en este álbum. ¿Os veis ampliando ese lado de vuestro sonido en futuros lanzamientos?
¡Absolutamente! Nunca nos ha gustado quedarnos quietos en el mismo sitio; el concepto de «zona de confort» está a años luz de la filosofía de URAL. Es una gran pregunta, porque ahora mismo estamos cambiando de nuevo nuestro proceso de composición para no repetirnos. Estamos construyendo los nuevos temas empezando por la voz y la batería en lugar de las guitarras, pero eso es información confidencial — ya lo descubriréis con el próximo álbum.
El álbum logra un equilibrio entre tradición y evolución, entre energía crossover y complejidad del thrash técnico. ¿Cómo gestionáis internamente esta dualidad para asegurar que URAL siga sonando como URAL sin repetiros?
Nunca nos ha gustado quedarnos quietos en el mismo sitio; el concepto de «zona de confort» está a años luz de la filosofía de URAL. Es una gran pregunta, porque ahora mismo estamos cambiando de nuevo nuestro proceso de composición para no repetirnos. Estamos construyendo los nuevos temas empezando por la voz y la batería en lugar de las guitarras, pero eso es información confidencial — ya lo descubriréis con el próximo álbum.
De cara al escenario: ¿qué temas de «Anthropic Genetic Involution» esperáis que se conviertan en imprescindibles en vuestro set en directo y qué los hace especialmente efectivos en un entorno de concierto?
Por el momento, hemos decidido incluir «Extreme Paranoia», «Break the Fall», «Rat in a Cage» y «Terror Eyes», y todos estos temas están llevando el show a otro nivel. La respuesta del público ha sido fantástica y puede que añadamos las otras canciones en futuros conciertos.
Para cerrar la entrevista, ¿podríais compartir un mensaje final, una anécdota o un pensamiento para los lectores de NECROMANCE y para quienes descubren URAL a través de este nuevo álbum?
¡Estamos deseando veros frente al escenario y compartir nuestro sonido thrash crossover con el mayor número de personas posible; amamos absolutamente el género y queremos seguir haciendo crecer nuestra manada! ¡Seguid al lobo!
