En esta entrevista realizada por David Déniz, Brett y Pauline profundizan en la evolución creativa de THE MEDEA PROJECT y en cómo su enfoque “primal” e instintivo ha dado forma a Kharon, un álbum donde el Gothic, el Doom y el Black Metal se entrelazan de manera orgánica. El dúo repasa los desafíos vividos tras Sisyphus, la importancia de mantener una esencia cruda y cercana al directo, y el papel catártico que la música tiene en su vida. Con una primera gira europea en camino y nuevos proyectos visuales, THE MEDEA PROJECT se reafirma como una propuesta oscura, emocional y profundamente personal.
Para quienes acaban de descubrir vuestro sonido con este nuevo lanzamiento, ¿cómo describiríais la esencia de THE MEDEA PROJECT y qué encontrarán al adentrarse en vuestro universo musical?
Oscuro, pesado, caótico, rítmico y, en ocasiones, incómodo. No es algo premeditado, simplemente es lo que terminamos creando. Convertimos ruidos en música, y eso se basa mucho en una “sensación”, por lo que puede ser caótico, pero los ritmos primales convierten ese caos en música. Ambos escuchamos géneros y tipos de música muy distintos, que nos atraen por diferentes razones, pero ambos encontramos consuelo en sonidos más oscuros y retorcidos. También entendemos el equilibrio entre luz y oscuridad y cómo se complementan.
THE MEDEA PROJECT suele definirse bajo el concepto de “Primal Gothic Doom”. ¿Qué significa para vosotros ese componente “primal” en vuestra música y cómo ha evolucionado desde vuestros inicios hasta la llegada de Kharon?
Para nosotros, “primal” significa instintivo. Nuestras creaciones se basan en la respuesta emocional al sonido. Aunque podamos estar influenciados o inspirados por otros, no tenemos ningún deseo de imitar ni de aprender a imitar. En esencia, todo lo que hacemos parte del instinto y luego se va esculpiendo hasta algo más refinado, asegurándonos de no perder esa sensación primal inicial. Creo que el componente primal siempre estuvo ahí para ambos. Incluso cuando empezamos tocando en otras bandas, simplemente seguíamos nuestras propias reglas y descubríamos qué funcionaba y qué no. Ambos llevamos muchos años escuchando metal, así que cuando empezamos a escribir como The Medea Project teníamos nuestro propio enfoque creativo, pero estábamos atados a las expectativas del público metalero, algo muy presente en el primer álbum. Esto evolucionó cuando empezamos a ver nuestra creatividad como artistas y no como una banda de metal, y que creábamos para nosotros mismos. Una vez entendimos eso, empezamos a apreciar el valor de crear con libertad y a confiar en nuestros instintos, hasta el punto de tomar la decisión consciente de que Kharon reflejara todo ello.
Habéis pasado de ser un trío a funcionar como un núcleo creativo centrado en Brett y Pauline. ¿Cómo ha fortalecido esta unión la composición y el núcleo emocional del grupo en este nuevo disco?
Antes de que The Medea Project resucitara oficialmente, ya escribíamos juntos. Cuando nos mudamos al Reino Unido, simplemente improvisábamos, y cuando Bradley (nuestro primer bajista) venía de visita, le dábamos un bajo y todos improvisábamos, convirtiéndonos orgánicamente en un trío. Sin embargo, al empezar a tocar en directo, aumentó el nivel de compromiso y la necesidad de hacer promoción, algo con lo que Bradley no se sentía cómodo, así que se marchó amistosamente. Después pasamos por nuestro primer proceso de selección y, durante un breve periodo, reclutamos a Sean. Aunque era un bajista brillante, incluso con contrabajo, nos dimos cuenta de que la dinámica creativa adecuada era más importante que la capacidad técnica, así que nos separamos justo antes de entrar al estudio para grabar Sisyphus. No teníamos ganas de pasar otra vez por un proceso de selección, así que experimentamos para ver si podíamos mantener nuestro sonido en directo sin bajista. Creo que esto nos obligó a cambiar de perspectiva y también nos dio libertad para expresarnos individualmente. Somos dos personas intensas, pero nos conocemos desde hace mucho y nos sentimos muy cómodos expresándonos entre nosotros. Ambos tenemos la misma capacidad de compromiso con nuestro arte, y creo que esta combinación ha contribuido a la intensidad y creatividad de nuestra música.
Vuestro sonido mezcla desde Gothic Rock hasta Black Metal. ¿Cómo conseguís que influencias tan dispares como FIELDS OF THE NEPHILIM, CELTIC FROST o el Doom tradicional convivan de forma tan orgánica?
¡Pregunta interesante! Es una teoría que exploramos al escribir una de las canciones de Kharon. Creo que es una combinación de cosas. Llevamos escuchando música mucho tiempo y, con los años, hemos ampliado nuestras mentes respecto a lo que escuchamos. Nos gusta expresarnos a través de la música y entendemos la respuesta emocional que nos provocan distintos sonidos, lo que nos gusta y lo que no. Como artistas, escuchamos la música de otra manera y hemos aprendido a detectar vínculos entre géneros distintos que los conectan.
Vuestro debut Sisyphus dejó el listón muy alto entre la crítica especializada. ¿Sentisteis presión al empezar a grabar el nuevo material o el proceso de Kharon fluyó al margen de expectativas?
Kharon no existiría, ni sería el álbum que es, sin las dificultades que vivimos con Sisyphus. El camino hacia Sisyphus fue difícil. Como nuestra música no encajaba en un género concreto, nos costaba conseguir oportunidades para tocar en directo o ante el público adecuado. Aunque la recepción cuando tocábamos era positiva, no era suficiente para facilitar las oportunidades. Al grabar Sisyphus y preparar todo el paquete —incluyendo arte y fotografía— el objetivo era mostrar nuestra música de la mejor manera posible para poder tocar ante el público adecuado. También era el primer álbum completo que hacíamos, y éramos bastante ingenuos, lo que nos llevó a tomar malas decisiones. Creo que dos días antes de entrar al estudio todo se vino abajo y tuvimos que empezar de cero. Aún estamos agradecidos a nuestro amigo Craig Land (ex‑DeProfundis) por presentarnos a Chris y Paul (Imperative PR), cuyo consejo fue crucial. Sisyphus salió el día antes del confinamiento por COVID en Reino Unido, así que la gira de presentación, que debía ser de cuatro fechas, se redujo a un solo concierto en casa, y no pudimos tocar en directo durante al menos un año. Aunque recibimos muy buenas críticas, incluso después de levantar las restricciones sentíamos que chocábamos contra un muro, lo que generó frustración, confusión y análisis que sentaron las bases de Kharon.
El título del álbum hace referencia al barquero del Hades. ¿Debemos entender este disco como conceptual o son piezas independientes unidas por una atmósfera común?
Nunca fue pensado como un álbum conceptual. Las canciones se escribieron de forma independiente, pero poder escribirlas bajo un tema común ayudó mucho a cohesionarlas en un álbum. Una de las críticas a Sisyphus era que no era muy cohesivo. Para nosotros sí lo era, porque las canciones eran muy personales, pero para un oyente quizá no. Curiosamente, el nombre del álbum llegó antes que las canciones. Siempre pensamos en Sisyphus como un álbum “terrenal”, polvoriento y seco. Cuando empezamos a escribir lo que acabaría en Kharon, creamos paisajes sonoros húmedos, oceánicos, y todo se volvió más oscuro. No sé si fue algo subliminal, considerando que el nombre llegó primero, pero así surgió el concepto del viaje al más allá.
En canciones como “Upon Your Bones” hay un aire desolador pero con un ritmo muy marcado. ¿Cómo trabajáis las estructuras para que, pese a la oscuridad, mantengan un pulso que atrape al oyente?
“Upon Your Bones” fue la canción con la que exploramos la teoría de mezclar géneros completamente distintos. Brett siempre decía que el black metal era surf rock tocado muy rápido y con distorsión. Empezamos improvisando surf rock y post‑punk (baterías muy rítmicas con guitarras atmosféricas), luego intentamos hacerlo más oscuro y desagradable (transformando las guitarras atmosféricas en chillidos agudos) y añadimos voces oscuras y sucias. Lo que nos encanta de esta canción es que distintas personas escuchan cosas distintas.
Se menciona que el álbum fue grabado y mezclado por Andrew Banfield en Superfly Studios. ¿Qué buscabais específicamente para que la batería de Pauline y las cuerdas de Brett sonaran tan masivas y reales?
Muy simple… ¡una sala en vivo y un ingeniero de mente abierta! La base de Sisyphus se grabó en directo en un estudio de Nottingham, donde pudimos experimentar mucho. Lamentablemente, el edificio fue demolido y el estudio se trasladó, pero ya no tenía sala en vivo. Para Kharon, una sala en vivo que pudiera albergar la batería era esencial, así como un ingeniero dispuesto a romper las reglas. Sorprende lo difícil que es encontrar una sala así hoy en día. Superfly nos lo recomendaron como el estudio más cercano con una sala decente y, al descubrir que grababan principalmente folk y blues, nos intrigó aún más. Cuando conocimos a Andy, supimos que era el lugar ideal. Las sesiones fueron geniales y Andy es muy apasionado y fácil de trabajar. Colaboramos con él en las primeras fases de mezcla y luego le dejamos finalizar. Hizo un trabajo increíble.
En “Purgatory: Trapped” la sensación de opresión es casi palpable. ¿Fue una decisión consciente buscar estructuras rítmicas que abrumaran al oyente?
Para nada, aunque el proceso de escribir la canción sí se sintió un poco como estar en el purgatorio, así que quizá fue inconscientemente consciente. Teníamos una gran melodía, pero nos costaba convertirla en algo. No encontrábamos un ritmo que nos convenciera y por un momento incluso pensamos en hacerlo digital. Probamos con percusión manual, pero nada encajaba. Decidimos usarla como paisaje sonoro entre canciones y se la dimos a un amigo para ver si podía aportar algo. Programó un loop de batería y eso nos inspiró a probar un enfoque rítmico distinto, y así nació la versión final.
Kharon dura poco menos de 40 minutos, una duración concisa para el género. ¿Preferís dejar al oyente con una intensidad concentrada antes que alargar artificialmente las canciones?
Al principio nos preocupaba que fuera corto para un álbum completo, pero es un disco intenso y sí, incluso nosotros preferimos quedarnos con ganas de más antes que un álbum que se desvanece. También está pensado para escucharse como un todo, y hoy en día hay tantas distracciones que los álbumes ya no se escuchan como antes, así que preferimos recortar lo sobrante y centrarnos en el núcleo de las canciones.
En vuestras notas promocionales con IMPERATIVE PR se menciona vuestra música como una “catarsis de oscuridad”. ¿Componer para THE MEDEA PROJECT es una necesidad vital para vuestra salud mental?
Sin duda, y es algo que comprendimos después de Sisyphus y que tuvimos muy en cuenta al escribir Kharon. Crear y jugar con sonido y ritmo es una compulsión para ambos, y hay una liberación real cuando tocamos, ya sea en el local o en el escenario. La parte negativa es la frustración cuando el impulso creativo está ahí pero la energía no. Como querer correr porque te hará sentir mejor, pero estar demasiado cansado para hacerlo. Por eso tocar en directo es tan importante: es la mejor forma de interactuar con otras mentes artísticas, obtener energía e inspiración, especialmente cuando el impulso está pero la energía no. También es una forma de desaparecer, algo vital para nuestra cordura.
El álbum se describe como una “colección de himnos e invocaciones”. ¿Veis el proceso de grabación como un ritual místico y espiritual más que como una sesión técnica convencional?
Las canciones están mayormente escritas cuando entramos al estudio. Pero tocamos con la misma intensidad y sentimiento en el estudio que en el local o en directo. Usamos el estudio como un medio para probar cosas y añadir matices que no podemos hacer físicamente porque tenemos un número limitado de extremidades, y eso es más experimental. Hay misticismo y espiritualidad en nuestro proceso, pero es más primal que ritual. Un ritual es deliberado; lo primal es instintivo.
Habéis lanzado simultáneamente el álbum en directo Live at Dingwalls. ¿Qué importancia tiene para vosotros que los discos de estudio mantengan esa esencia de “bootleg oficial”, con un sonido crudo que no teme mostrar quiénes sois en una sala?
Es crucial capturar toda la esencia en directo posible, porque creemos que ahí reside la magia. Es la razón principal por la que grabamos la base de los temas en directo y por la que somos tan exigentes con tener un ingeniero experimental y de mente abierta. Las prácticas modernas de grabación pueden hacer que los discos suenen clínicos y fríos.
La imagen visual de la banda siempre es impactante. ¿Cómo conecta la portada del nuevo álbum con el contenido musical y qué queríais transmitir con esa estética?
La portada es una correlación directa con el álbum, tanto en imagen como en estética. Fue un honor trabajar con Daniele Serra para el arte de Kharon. A diferencia de Sisyphus, donde colaboramos estrechamente con Frederik Widigs (ex‑Marduk), esta vez enviamos las demos y un pequeño briefing, y él creó la portada. Lo interesante es que, igual que el álbum, el arte tiene elementos de caos y calma, fealdad y belleza, pero en conjunto crea una imagen intensa que algunos encontrarán incómoda y otros disfrutarán.
El cierre del álbum, “Reborn”, ofrece un matiz distinto. ¿Es un rayo de esperanza tras el viaje por el inframundo o un renacimiento hacia una forma aún más oscura?
“Reborn” se escribió como un tema acústico con ritmos primales muy crudos tocados con percusión. Intentamos convertirlo en algo más pesado, pero no funcionaba igual. Dudamos si encajaría en el álbum, ya que no es tan pesado como otros temas, pero su ambiente oscuro le da su lugar. Decidimos ponerlo al final porque ofrece un respiro tras la intensidad del resto. Es esperanzador en sonido, pero líricamente tan oscuro como los demás.
Con el lanzamiento de Kharon, ¿cuáles son los principales objetivos de THE MEDEA PROJECT para este año? ¿Veremos este “inframundo” en escenarios fuera del Reino Unido?
Tenemos el lanzamiento del bootleg Live at Dingwalls en enero, que nos entusiasma. Será un gran año porque emprenderemos nuestra primera gira europea en otoño; los eventos se están cerrando y anunciaremos pronto. También debutaremos en el Darker Days Festival en Leicester y compartiremos escenario con muchos amigos góticos en el primer Insurgency Festival. Estamos colaborando con Vinyl Velvet Films en otro videoclip. Tenemos un concierto en casa en marzo con Chaos Bleak y Shallow Halo, y estamos organizando otro en Leeds.
Para terminar, muchas gracias por vuestro tiempo. ¿Hay algo más que queráis añadir para vuestros seguidores?
Apreciamos profundamente vuestro apoyo para ayudarnos a mantener vivo el doom oscuro y caótico.
